Coordenadas Musicales (Proyecto - 2004)

“La música ha provisto por largo tiempo las metáforas usadas para los temas relacionados con el cosmos. Desde las antiguas “Música de las esferas” de Pitágoras a las “armonías de la naturaleza”, colectivamente hemos buscado el canto de la naturaleza en los suaves caminos seguidos por los cuerpos celestes y las vistosas fulminaciones de las partículas subatómicas.

Los vientos del cambio, de acuerdo con la teoría de las cuerdas, soplan a través de un universo eoliano."

Brian Greene,

The Elegant Universe



Este fue mi primer intento de unir las cuatro dimensiones (3 dimensiones de espacio y una de tiempo) en una sola obra de arte. El espacio está dado por el cuarto que ocupa y el tiempo por este mismo espacio: cada lado le da una propiedad al sonido, a la pieza musical que es el producto de estas dimensiones. De hecho, intenta ser una manera simbólica de unir - una maqueta aún, sin embargo - la energía y la materia, pues, ¿qué diferencia hay entre una coordenada, un punto en el espacio-tiempo, y una nota en el pentagrama?
La pieza
hace referencia a la energía inherente en todas las cosas, hasta en las ondas que componen lo que se escucha y lo que se ve; justamente enfatizando en la relación de la luz con el sonido y subrayar como el espacio y el tiempo trabajan tan armónicamente juntos.

Utilicé luz reflejada [cuando fue exhibida] en cuerdas de plástico (en realidad es sólo una maqueta a escala real de lo que seria el verdadero proyecto el cual sería interactivo, con rayos de luz saliendo de las paredes) porque quería hacer referencia a un universo hologramático, citando a Edgar Morin:

"El todo está en cierto modo incluído (engramado) en la parte que está incluída en el todo (...) siendo [las partículas] micro-todo virtuales" [Morin, 1994]

Pues me parece factible creer que el universo está conformado por pequeñas cuerdas de energía que dependiendo de su vibración conforman a la materia o a las diferentes propiedades de ésta… Así todo estaría compuesto por ondas, que nos permitiría volver desde el mundo digital imperante en la actualidad a una concepción analógica y gradual, en donde, quizás, todo sea parte de un gran espectro (más allá de tan sólo el espectro electromagnético).



Anesthetics, Aesthetics (original)

Am I the one to blame for all this mess?
Am I the only guilty one for loosing my way?

The weird girl that dreamt with success succumbed to the daily routine of needs and desires of common people after realizing that her wishes were also a construct of them.

(Look, look! Everyone asks for it, have you noticed?
They all will push you to achieve recognition and awaken envies!)

Everyday to wake up with the knife in hand, and check your back.

But now... what?
What is your existance worth for, my little girl?

Learn that all your questions have many answers, and each one is a different path.

To stop creating ways that you won’t follow?
Is it pointless if you will have to choose just one?

...But what with that old path, the first one you created for yourself my little girl, when your consiousness awakened from the peaceful sleep of unity?

Was it all really for recognition? To fulfill the infinite need artists have for... for...

No, I won’t name it.
I oppose to give myself to my physicallity... Again.

For that is what took me from my old path. This body...

Anesthetics to shut it up?
Meditation?
...Simply not to pay attention to it, or ”sublimate” its screams?

”My dear, work, and then wait... For your work shall be hung up for everyone to see, and someday you will receive endless admiration and the love of many.”

-But I don’t want the love of many anymore... I just want...

”Your body will only be useful as the tool, the mediator that materializes your thoughts for everyone of them to see, and then you will know what real gratification is, how trascendental loneliness can be stopped with the worshipping of many. Your work, the small iconic representation of your schismatic totality, will be the idols they shall adore.”

-But it is not me, it is not me...

”You... You know your body shall be desired by some; is that what you really want? Has it ever given you some peace? Any satisfaction that lasted more than a day for that matter?
But your mind... That disfigured entity, that monster that no-body wants will only be capable to enter other mind’s comprehension only if covered by aesthetics’ disguise.
You shall find yourself in between this body and that mind. Understand, my dear, that you are not one or the other, there is no such thing as that division imposed... Unite again through these...”

-Objects? That will only serve for their enjoyment? Or for their entretainment or self-questioning? Am I meant to have some kind of mission, that of a trigger?

”So young, still, so innocent...
See, your only mission in this life is for you to learn that there are no meanings intrinsical to events or those so called ’objects’ that you nowadays seem to despise... As an excuse for not trying to fight in this useless competition?
Maybe.
Cowardice?
Most probably. For we are all cowards, and even that can be a motor for living, a replacement for ’will’...
The meanings will be always given by yourself, and, unless there is social convention involved, they shall be only yours.
You shall be lonely until the day you end, lost within their labyrinth...
This life will only mean what you want it to mean.”

-What about this chronic boredom?

”Is just your lack of comprehension... Your will becomes pathologically sleepy when you just cannot see the meaning of your life. You ask too much of it, of all, thus, it becomes boring.
You ask too little of it, thus, you get bored.

If you want your meanings to be universally true, well... THEN MAKE THEM!!
If not, accept them as true just within your own life.
Your boredom shall end when you understand what this life is all about.

...My dear, understand that Life doesn’t even have the opposite meaning of Death.”

La visitadora

Atea pero católica

(Plegaria para invocar a la inspiración)



Gracias Señora por todo el dolor que me has dado

Gracias por esta fuente inacabable

Por hacerme mártir

Por poder inmolarme

Pues mi vida es por y para ti.

Un títere, tu vehículo; este cuerpo es tuyo

Y puedes hacer con él lo que te plazca

Tómame cuando desees pues desde hoy soy tu esclava.

Oh Madre Nuestra, no te olvides de mí

Tus visitas son tan espaciadas

Humano inferior que necesita de complacer sus sentidos para creer,

¡Por favor perdónanos!

Pero hazte presente;

Materialízate ante mí, te lo ruego.

Ya que sin tu guía no soy nada…



DEICIDA SERÉ PERRA INMUNDA

SUCIA PROSTITUTA


Te acuestas con todos menos conmigo...

Vienes cuando quieres. Te vas sin avisar.

No sé que te habré hecho para que me trates así.

No sé que mierda esperas de mí. Te lo he dado todo, todo, todo

¡MIRAME!

¡Mira lo que soy! ¡Lo que no soy ya! Y todo por ti. Por entregarme en cuerpo y alma a ti.

Sabes que lo hemos disfrutado.

Así lo demuestran las marcas que has dejado, pues…



¿Qué es mi arte sino cicatrices?



La Escriba - 2004

En el antiguo Egipto, los escribas eran prácticamente los únicos que sabían leer y escribir. Ser uno era en extremo difícil pues había cientos de jeroglíficos para memorizar. Sólo los hombres podían convertirse en escribas; el entrenamiento duraba hasta 12 años y era bastante complejo porque, como en la mayoría de los sistemas de escritura orientales, los egipcios usaban gráficos (ideogramas) para representar palabras, acciones, o ideas. Había más de 700 de estas letras para recordar e inclusive, algunos símbolos representaban palabras completas… Y escribían sobre papiro: sacado de las orillas del mismo río que les brindaba la vida les servía para crear.

Esta breve introducción está muy relacionada con las razones que me llevaron a ponerle “La Escriba” a mi pieza. De hecho, el nombre tiene que ver con la acción que estoy ejecutando – no solamente porque estoy escribiendo en un pedazo de papel, sino por el significado de ésta acción.

La creación es una tarea compleja que a veces las personas que no están íntimamente ligados con ella no pueden entender completamente. A veces se requiere que un artista conciba una obra en cierto tiempo para cierta fecha… ¿Qué pasa si la inspiración nunca “viene”? En todo caso, ¿qué queremos decir cuando hablamos de que la inspiración no está “viniendo”? Solamente al fijarnos en estas frases podemos asumir que es como si estuviésemos tratando a la inspiración como un ente que debe “visitarnos”; tenemos que esperar al visitante para poder producir. Como al ser tocados por una varita mágica invisible, después de su “visita”, podremos por fin crear. Es casi como si fuésemos inseminados por un fantasma que nos preña con la borrosa idea de la futura obra de arte: nosotros concebimos la pieza con la ayuda de este ente –pero es nuestra labor concretarla, traducirla, volverla corpórea, material. Como el del escriba, nuestro papel está hecho de lo que nos rodea; como el papiro, nuestro lienzo puede ser cualquier cosa que el mundo fuera de nuestras mentes nos ofrezca, desde el lenguaje en el habla hasta las imágenes en un video…

Nosotros los artistas nos convertimos en el vehículo de este ser que nos insemina, llevando al hijo aún no nacido en la forma de la idea: mientras está en nuestros cerebros, va creciendo y se va alimentando de nosotros y como el parto su nacimiento es doloroso y requiere tiempo. Yo soy la madre en el video y lo que observarán será a mi persona siendo tomada por la inspiración.

¿Está este ser manipulándonos? ¿Quién es el verdadero gestor de la pieza- soy yo o este ente llamado inspiración? ¿O somos ambos los orgullosos padres del recién nacido? Para mí, siempre ha sido como una posesión; podía pasar donde sea, queriéndolo o no, totalmente conciente o pasar casi desapercibido. Sin embargo, en el video estoy esperándolo impacientemente, y cuando al fin llega usa mi cuerpo como herramienta. Resulta que, mientras escribía, había estado siendo manipulada desde el comienzo: todos mis movimientos estaban siendo controlados por el ente, mi ansiedad, mis caminatas por el cuarto, mi curiosidad al ver por la ventana. ¡No era más que su títere todo el tiempo! [Lo que escribo está en inglés y describe exactamente lo que hago en el video; ver por la ventana, caminar, etc.]

Hay dos yo´s en el video, una al lado de la otra, ambas esperando al visitante. Pero aparentemente una es visitada antes que la otra, y después pasa al recién nacido, -el papel escrito, la obra de arte-, a la otra “yo” que en lugar de re-escribirlo lo des-escribe para ambas desaparecer. Así que, al parecer, este ente también decide por mí; no sólo me usó todo este tiempo pero me puede hacer desaparecer cuando quiera: lo que se crea puede ser destruido por la misma mano, la creación se une con la destrucción buscando el balance para convertirse en una sola entidad.

El mundo a mi alrededor es quien me insemina; el niño que llevo es tanto mío como del mundo exterior. Como en el concepto del destino hay cosas que deben ser; como hemos sido creados y estamos aquí creando destruiremos y seremos destruidos. Todo con nuestra mano que es tan sólo una herramienta de la gran ejecución universal: somos solo vías.

De interiores y exteriores

Originalmente proyectado en un lienzo a manera de ecran (sin bastidor) con un agujero de forma rectangular por donde la pequeña imagen en la parte inferior pasaba para terminar proyectada en la pared, fue este mi primer experimento con proyecciones en diferentes superficies.
Lo que me llevó al video (y en general, a los otros tipos de manifestaciones artísticas que a veces practico) es mi interés por "pintar con otros medios", y... ¿Qué mejor que una imagen en movimiento para esto?




In/Out - 2004



Sobre las compulsiones color granate - 2005



E s t o s c i r c u i t o s s a n g u í n e o s q u e m a r c a n M i O r d e n

N o s a b e n m á s q u e s e g u i r c a m i n o s p r e d e f i n i d o s:




Rojo sobre rojo no hay contraste.

Negro en negro es agujero;



Abismo infranqueable entre tu molde y mi rebalse

Es plástico elástico atando mis muñecas.



Dejaré al río suelto en su debido momento;

Cauces restrictivos; ¡romperé sus represas!





Dark Matter, agujeros negros, y cuerdas...



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Los físicos figurettis son algo por lo que hay que agradecer.

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Carl Sagan y Cosmos:



"Su fin está predeterminado"

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Stephen Hawking y El Origen del Universo:




Parte 2, 3, 4 y 5.
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Brian Greene* y la Teoría de las Supercuerdas



*The Elegant Universe
"Why is there something rather than nothing?"


(Definitivamente los de Tool se inspiraron en los Calabi Yau's.)





>>La supersimetría y lo que está sucediendo en el CERN merecen un comentario aparte.

Intervención en el Central Park (2004)

A gran escala, los edificios evocan altos troncos; a lo lejos, las personas son hormigas; las pistas, ríos... No por nada la ciudad es llamada jungla de cemento: hasta el hombre y su tendencia "antinatural" incorpora la sabiduría natural en el diseño de las ciudades en una suerte de mímesis negada.



La intervención fue ejecutada en el Central Park empezando una hora antes que salga el sol y finalizada cuando ya estuvo de día.


Recalcando la idea de que la obra de arte es, también y ante todo, mimética, la acción de amarrar un árbol basándose en el diseño de sus propias ramificaciones no hace más que recordarnos la unidad elemental de todas las cosas, ya sea viéndola desde la perspectiva científica con sus fractales, o desde el “orden natural” expresado en los patrones que se pueden encontrar repetidamente en las distintas estructuras de la naturaleza, y que se nos hacen más evidentes al ser reproducidos/reafirmados con las sogas (fibras vegetales) organizadas de manera similar. Como una telaraña, intenta integrarse con el árbol. Exaltando la idea de una suerte de molde, de una cierta predefinición inherente al todo que se manifiesta como un patrón a priori observable fácilmente en las estructuras encontradas en la naturaleza, este tejido es una oda a "aquello" que parece repetirse constantemente, pero no de una forma exactamente igual.

Todo está, pues, amarrado entre sí; entrelazado.

Honré a la naturaleza por medio de una suerte de sacrificio; tuve que levantarme de madrugada (cuando lo usual es que me levante 8 horas después) como parte de mi ceremonia personal para "invocar" al sol, e imponerme un tiempo definido en el cual debía finalizar la obra, todo esto en medio de un clima bastante dificil. Asemejándose a los tantos rituales de herencia pre-colombina que aún se practican en nuestro país no sólo por el acto en sí, sino porque, a manera de quipu, até nudos que, de hecho, dicen la palabra “vessel” (vaso como en recipienteque contiene- y vaso como en vaso comunicanteun medio, un camino; la vía -, si bien vaso no sería la traducción exacta pues "vessel" tambien significa barca, nave - lo que viaja a través de) escrito por medio de una interpretación del método de escritura braille (utilizado porque, como en los nudos de los quipus, es leído con los dedos). El aspecto estético es irrelevante: lo importante es que la palabra esté escrita cuando ya haya salido el sol.

"Fundamentos del dibujo y del color" - UFG/Brasil














Di un mini-taller en el marco del Primer Festival de Cine Universitario Latinoamericano "Perro Loco", que se realizó en la Universidad Federal de Goias, en Goiania, Brasil, del 19 al 23 de septiembre del presente año, en donde hice una muy breve introducción a los fundamentos del dibujo (el cánon, aprender a observar más que dibujar de memoria y en base a estereotipos, etc.) y del color (mostrarle a los alumnos las diferentes teorías y espacios de color manejados desde el inicio del arte hasta la actualidad).

El sílabus fue el siguiente:


Fundamentos del dibujo y del color:

Introducción a las Artes Pictóricas


8h a 12h

20, 21 y 22 de Septiembre

Facultad de Artes Visuales

UFG

Objetivo del taller:

Guiar a los estudiantes (de audiovisuales, cine, y cualquier otra especialidad interesada) a través de una breve introducción al dibujo y al color desde el campo tradicional de las Artes Plásticas sin restringirlo a un sólo sistema de enseñanza.

Materiales:

Papel Kraft

Carboncillo

Limpiatipo

Tempera

Cartulinas

Pinceles

1er día:

Introducción a la teoría del color: su historia, los diferentes espacios de color y sus principios.

El círculo cromático y la escala monocromática. Familiarización con conceptos como equiluminescencia, claroscuro, contraste complementario, colores aditivos y sustractivos, etc.

2do día:

Pintando una Naturaleza Muerta.

Los alumnos serán introducidos a la teoría del color brevemente, mediante la explicación del círculo cromático, valores tonales, mezclas y estudio de los colores complementarios para poder pintar un bodegón muy simple.

Primero, pintarán una naturaleza muerta, sin dibujo previo, aplicando el concepto de colores complementarios.

Seguidamente, iniciarán un bodegón exclusivamente en degrade de negro y blanco, esta vez, con dibujo previo y mas ceñido al método tradicional.

Materiales: cartulina Kimberly, pinturas, pinceles, agua o solvente.

3er día:

Continuación del bodegón anterior.

Dibujo, proporciones y medidas de la figura humana.

El “canon”: la medida fundamental del canon florentino, tomada del hombre bien constituido, está en la cabeza. Ésta se considera, en altura, como la octava parte de todo el cuerpo, siendo la cara la décima parte del mismo y de altura igual a la longitud de la mano. La cara se divide a su vez en tres partes iguales, siendo una de ellas altura de la nariz.

Los alumnos procederán a dibujar a un modelo desnudo para aplicar dichos conocimientos.

Materiales: papel kraft, carboncillo, limpiatipo.

El taller:

Introducción

La concepción de lo que es el arte y su función ha ido variando en los diferentes periodos de la historia humana, desde lo que asumimos fue su aparición en cavernas y rocas, hasta la época contemporánea. Inicialmente ritualística, al servicio de la caza y la naturaleza (para honrarla, para invocar presas, o quizás para reflejar lo que ellos veían en los trances espirituales), en estas cuevas se pueden encontrar tanto figuras familiares (caballos, bisontes) como totalmente abstractas y muy difíciles de interpretar para el espectador actual. Posteriormente, el arte pasó a servir a los dioses y reyes (su encarnación terrestre); después, inclinándose a ser un articulo de lujo ya como pintura o escultura (entonces dividiéndose en disciplinas), promovido por las cortes y la aristocracia, para entonces pasar a ser adquirido por la burguesía y las clases dominantes, pues, así el contenido de la obra o el artista haya querido enfrentarse al “establishment”, tanto los mecenas del Renacimiento como los compradores en las subastas de obras de arte actuales han sido gente de buena posición tanto económica como social.

En la década de 1980, el debate sobre los currículos en educación del arte estaba centrado en los pro’s y los contra’s de la educación artística basada en las disciplinas (escultura, pintura, grabado, etc.). Dentro de la controversia, algunos teóricos consideraban que el arte de la modernidad se había convertido en el estilo academicista de la época y de la corriente dominante del establishment/cultura preponderante – el norteamericano – del mismo modo que el estilo academicista francés se había convertido a fines del siglo anterior en el arte de las clases altas francesas.


Sobre la enseñanza del arte

La crítica artística, sobretodo en las escuelas, muchas veces ha pecado de subjetivista, en especial en las que aún mantienen una visión moderna de lo que es el arte. Pues algunos ya asumen que hemos entrado a un nuevo periodo cultural (denominado postmodernismo) en donde se cuestiona si realmente se puede ver al arte como avanzando progresivamente (para ellos habríamos dejado atrás a la Modernidad y su larga lista de –ismos; impresionismo, expresionismo, cubismo, etc.), y si es que la búsqueda insaciable de lo nuevo como valor supone realmente progreso alguno. Esto, en definitiva, afecta al sistema de enseñanza artístico, - ya que muchas de la educación de arte en la actualidad aún mantienen el enfoque moderno en su currícula -, siendo esto evidente en muchas de las escuelas tradicionales latinoamericanas. La influencia del expresionismo (que distingue a las obras de arte sobre los demás objetos por su vocación expresiva) unida al surgimiento de la psicología como disciplina le dio particular valor a la originalidad (un tipo de producción que es a la vez innovadora y única) y a la expresión del yo.

De acuerdo a la historia del arte, se podría definir como sigue:

  • En épocas premodernas el principal indicador del talento hubiese sido la habilidad de los estudiantes para representar con precisión y destreza el mundo natural mediante imágenes realistas.
  • Desde el punto de vista moderno, son reconocidos los artistas que han intentado plasmar la luz “en un instante determinado” y no a las formas en sí (impresionismo); que pareciesen capaces de aprehender sus propios estados emocionales y revelarlos a través de figuraciones reconocibles o ya puramente abstractas (fauvismo, expresionismo, expresionismo abstracto); intentando eliminar el contenido (formalistas); cuestionando los límites de la representación bidimensional – todas las partes de un objeto en un mismo plano - (cubismo); quienes trataban de romper agresivamente con el pasado poniendo al avance industrial/tecnológico como ideal (futurismo); también aquellos que se inclinaban hacia la “destrucción nihilista” (dadaísmo) o la “construcción romántica inconsciente” (surrealismo)… Es decir, quienes intentaban romper con la tradición previa.
  • Los artistas y críticos contemporáneos tienden a crear e interpretar las obras desde el contexto cultural espacial y temporal de su creación, apropiándose de imágenes y formas de épocas y lugares distintos, incorporando elementos de representación a su obra, y a menudo mensajes socialmente comprometidos, ya que se asume que lo más importante es lo que se dice en la obra (arte conceptual) o lo que cuestiona (minimalismo – lo esencial, arte povera – materiales de fácil obtención, “pobres”; performance – el cuerpo como herramienta; arte electrónico – los limites entre lo orgánico y lo artificial - etc.)

    En este sentido, el arte contemporáneo se caracteriza por la disminución de la exigencia técnica, y la importancia que se le da a la teoría.

El legado de la modernidad en la enseñanza del arte actual está en el mantenimiento de la práctica de presentar elementos y principios del diseño y el color como base para el aprendizaje de la praxis artística.

La experiencia:

Llegué a Brasil el día 18 por la noche. Era la primera vez que iba, y no tenía ni hotel ni la más mínima idea de cual de todas las historias que había escuchado era la real, que si Sao Paulo era muy peligroso o que fácilmente podría llegar allí sin peligro...
Al final, poco importó, porque ni tiempo tuve de para ir a Sao Paulo. El aeropuerto está en Guarulhos, que es un municipio a 30 kms de distancia del centro de la ciudad, y considerando que mi avión partía al día siguiente por la mañana, opté por quedarme en el hotel (Confort Inn, bastante bueno allí en Brasil) y solamente salir a buscar algo qué comer. Encontré unas empanadas medio extrañas (con queso derretido, otra con pollo y salsa blanca) que devoré (como es usual) con desesperación, porque en el avión sólo me habían dado un mísero sandwich.
Al día siguiente, me levanté a eso de las 6 am, y procedí a comer mi desayuno-buffet (los que me conocen saben de la importancia de la comida en mi vida).
El avión salió a las 10:30, y fue un viaje bastante breve, llegando a Goiania a las 12 en donde me golpeó un calor y un sol que hace mucho tiempo no tenía el "gusto" de experimentar. Allí me esperaban 3 chicos con un cartelito que decía "Paola Torres" (hasta que aprendieron cual era mi nombre, jeje) y me llevaron a un hotel muy bonito, "Papillon", en el carro de la UFG. En el interín conocí a uno de los chicos que presentaban su corto allí (excelente corto, dicho sea de paso), John Jairo (espero haber escrito su nombre bien), quien se hospedaba en el mismo hotel que yo y con quien almorcé un platillo bastante raro, mm, una especie de risotto no-lo-suficientemente-húmedo con unas verduras amargas que, bueno, no me gustó para nada pero eso me pasa por experimentar con cosas nuevas.
Más tarde nos llevaron a la UFG y conocí el Campus II, que es muy similar a la Agraria pero con una arquitectura mucho más moderna (siempre me ha encantado la arquitectura brasilera) y mejor equipada. En realidad, lo que sucede en esta Universidad (el apoyo que le dan a iniciativas estudiantiles como "Perro Loco" y el buen estado de su infraestructura) es un ejemplo de lo que se puede llegar con una regionalización bien llevada y auténtica, ya que, como dice su nombre, esta es una Universidad Estatal (Federal) y a mí francamente me impresionó, ya que, acostumbrada a ver lo difícil que es desarrollar un centro de estudios estatal aquí, esto era algo muy extraño - bueno, no es que el sistema privado educativo esté muchísimo mejor, y eso es vergonzoso, porque uno podría asumir que el Estado Peruano no tiene suficiente dinero para apoyar a sus instituciones, pero, que el sistema educativo privado no pueda apoyar proyectos de los alumnos, y que se den casos como el de la Facultad de Arte, en donde los techos se le caen encima a los alumnos cuando hay MUCHA GENTE que paga más de 2,000 soles al mes es deplorable. Pero aquí la gente rara vez toma conciencia de este tipo de cosas, y ya nadie se levanta ni protesta ni nada: parece que vivimos sumidos en un letargo crónico inducido por tantos años de abuso y manipulación; ya la gente no quiere saber nada, ni tiene energía para quejarse... blah blah... Bueno, para que repetir el trillado discurso nuevamente. Sin embargo, a mi parecer, lo más importante es que se ha perdido la idea de comunidad: aquí se nos han pegado las peores costumbres del sistema neo-liberal (un individualismo que ya parece egoísmo patológico) y hemos olvidado la fuertísima presencia de la noción de colectividad que imperó en el Perú precolombino y que aún está presente en las sociedades tradicionales de nuestro país. Allí en Goiania, todos querían ayudar y participar del festival, obviamente nadie cobraba, el gusto radicaba en poder ser parte de ello y aprender. Mmm, ya me imagino si algo así ocurriría aquí: primero, dudo que alguna Universidad esté tan dispuesta a apoyar económicamente a los alumnos con un proyecto de tal magnitud, y, segundo, dudo aun más que haya tanta gente dispuesta a contribuir con él sin recibir un centavo.
Llegó la noche y con ella la juerga, como era de esperarse. Tocó la Orquesta de la UFG (grande y con buenos instrumentos) y a mí me dieron de beber Pinga - ya, a ver, pinga allí significa algo muy diferente de lo que significa aquí, pues, si bien fue muy divertido decirle a unos lo que significaba aquí en Perú y a otros no, (pues, al confrontarlos, yo le decía a uno "A EL LE GUSTA LA PINGA HELADA!!" y ése negaba insistentemente "NO, NO!!!" mientras el otro, que no entendía nada, exclamaba "Pero a mi también me gusta la pinga...") allí significa alcohol, y tuve la buena fortuna de probar cachaza con maracuyá, que me puso extremadamente alegre y sociable, como es también usual.
Tenía que dictar clase al día siguiente a las 8 am así que sólo dormí un par de horas.
Creo que fue beneficioso, considerando que siempre he odiado hablar en público y que los nervios suelen apoderarse de mí de tal manera que lo común es que me quede como idiota con la mente en blanco sin poder proferir palabra... El cansancio simplemente no me permitió pensarla mucho así que mi desempeño explicando las diferentes teorías del color y su historia fue aceptable.
Esto se repitió todos los días, pues, por la tarde pasaban los cortos en el cine de la Universidad, y por la noche habían conciertos (hasta tocaron un par de bandas de metal!!) con su respectiva cachaza.
El sol en Goiania es asesino. Me tenía que bañar en bloqueador y estar, en comparación a lo que suelo llevar, semidesnuda (qué castigo estar "liviana de ropas" por dios!) ya que a casi 38 grados tuve que dejar mis "principios" de lado y vestirme con colores y usar blanco, que asco. Pero la Universidad está situada en plena selva semi-seca y es hermosa, así que bien valía el sacrificio. Es fascinante ver a los monos quererse llevar tu comida mientras te observan sin un ápice de temor, y, al caer la noche, escuchar el canto de las cigarras, los pájaros, y la orquesta de los insectos.
La experiencia fue inolvidable, y sé que, de quedarme allí, sería bastante felíz ya que la gente no es solamente muy amable, sino que la belleza de la selva es única y, de verdad, es imposible de ser definida exclusivamente con palabras...
Pero como todo, tuvo un final, y así, recuerdo las compactas nubes grises de Lima con cierta molestia, para qué negarlo, que se veían tan sólidas desde las alturas y aún bajo el sol hasta cuando el avión se dispuso a aterrizar y se perdió detrás del techo ese color rata.